Independence: Voice and Resonance
Independencia: Voz y Resonancia
Independence is not only a historical fact: it is also an intimate experience, a daily gesture, a constant search for freedom. Beyond the official narrative, each generation and each individual redefines what it means to be independent: to emancipate, to resist, to reinvent, to choose one’s own path.
“Independence: Voice and Resonance” invites artists of all nationalities to reflect on freedom in its many forms: political, cultural, spiritual, bodily, economic, emotional. We are interested in independence not only as a memory of a glorious past, but as a living force manifested in our relationships, decisions, and creations.
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La independencia no es solo un hecho histórico: es también una experiencia íntima, un gesto cotidiano, una búsqueda constante de libertad. Más allá de la narrativa oficial, cada generación y cada persona redefine lo que significa ser independiente: emanciparse, resistir, reinventarse, elegir el propio camino.
“Independencia: Voz y Resonancia” convoca a artistas de todas las nacionalidades a reflexionar sobre la libertad en sus múltiples formas: política, cultural, espiritual, corporal, económica, afectiva. Nos interesa la independencia no solo como recuerdo de un pasado glorioso, sino como una fuerza viva que se manifiesta en nuestras relaciones, decisiones y creaciones.
Participating Artists
Iryna Dumina
Domenico De Simone
Eba Ussher
Robin Radek
Sudeshna Dey
“Ukraine. Independence”
Iryna Dumina.
Black gel ink on paper (digitally preserved).
210 × 297 mm.
2023.
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“Ucrania. Independencia”
Iryna Dumina.
Tinta gel negra sobre papel (dibujo digitalizado).
210 × 297 mm.
2023.
Iryna Dumina, from Kerch, Crimea, currently based in Kherson, Ukraine. Iryna has drawn since childhood and continues to explore new mediums, from illustration to linocut. Her work is deeply connected to resilience and presence.
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Iryna Dumina es originaria de Kerch, Crimea, y actualmente radicada en Jersón, Ucrania.
Iryna dibuja desde la infancia y continúa explorando nuevos medios, desde la ilustración hasta el linograbado. Su obra está profundamente ligada a la resiliencia y a la capacidad de estar presente.
In “Ukraine. Independence”, Iryna Dumina offers a poignant and symbolic reflection on national identity and the human spirit. A serene woman, crowned with flowers and draped in traditional Ukrainian embroidery, cradles a rooster — an emblem of resilience, renewal, and vigilance — close to her chest. With intricate stippling and delicate linework, Dumina creates a portrait that feels both intimate and monumental, rooted in cultural memory and hope.
Born in the coastal city of Kerch, Crimea, and currently based in Kherson, Iryna has been drawing since childhood and continues to participate in exhibitions and artistic projects across Ukraine. Though the original paper work was lost, this image endures in digital form — a quiet metaphor for the fragility of the moment and the persistence of spirit.
For Iryna, independence means more than survival; it means the ability to stand with strength and flexibility. Her vision of sovereignty embraces not only the endurance of the Ukrainian people through immense hardship but also a yearning for peace and reconciliation. “We are a sovereign nation with a culture and a voice,” she says. “But we also need good relations with our neighbors, including our close relative — the Russian people. Only then can we truly thrive.”
This work speaks in a soft but unwavering voice — a reminder that independence is not only a political condition but a lived, emotional, and deeply human experience. Dumina’s drawing becomes a prayer for unity, peace, and a future built on mutual understanding, strength, and care.
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En “Ucrania. Independencia”, Iryna Dumina nos presenta una visión profundamente íntima y simbólica de lo que significa la soberanía para el pueblo ucraniano. Una figura femenina, serena y firme, mira hacia el horizonte con una expresión de calma decidida. Su cuerpo, envuelto en bordados tradicionales ucranianos, y la presencia del gallo —símbolo ancestral de vigilia, renacimiento y fortaleza— evocan tanto la riqueza cultural como la resiliencia silenciosa que define a una nación herida pero invicta.
Originaria de Kerch, en Crimea, y actualmente radicada temporalmente en Jersón, Dumina canaliza en su obra una historia personal atravesada por la geografía, la guerra y la memoria. Desde la infancia ha encontrado en el dibujo una forma de expresión constante, participando en proyectos artísticos y exposiciones en Ucrania. Esta obra, cuya versión original sobre papel se ha perdido, sobrevive ahora como imagen digital, gesto que refleja también las pérdidas tangibles e intangibles de la guerra.
Para Iryna, la independencia no solo implica resistencia ante la adversidad, sino también la capacidad de mantenerse en pie con flexibilidad, humanidad y apertura. En sus palabras, “necesitamos paz y buenas relaciones con nuestros vecinos, incluido nuestro pariente cercano: el pueblo ruso. Solo entonces podremos prosperar”.
Su obra es una invitación a mirar más allá de la herida, sin negarla: a contemplar la posibilidad de una independencia que no se edifica únicamente desde la separación, sino también desde la compasión, el entendimiento y la voluntad de construir nuevos puentes. En este dibujo se entrelazan la belleza y la fuerza, la tradición y la visión de futuro —una voz clara y resonante en medio del estruendo de la historia.
PEACE WIND
Domenico De Simone
Electroacoustic composition
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Domenico is Professor of Electroacoustic Composition at the “Umberto Giordano” Music Conservatory of Foggia and holds degrees in Composition, Electronic Music, Piano, and Jazz.
His artistic path has been shaped by studies at the Accademia Nazionale di Santa Cecilia under Azio Corghi and Giorgio Nottoli, as well as the Accademia Chigiana in Siena, where he studied with Ennio Morricone and Franco Donatoni.
His works have been performed in over one hundred concerts across the globe, from Italy to South Korea, Brazil, the U.S., South Africa, and beyond 🌍.
In his own words, Domenico describes his practice as “an intimate journey into the complex connections between sound, space, and memory.” By transforming field recordings into immersive soundscapes, he seeks to awaken a sense of presence, resonance, and freedom — inviting us to listen with body, mind, and spirit.
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Domenico es Profesor de Composición Electroacústica en el Conservatorio de Música “Umberto Giordano” de Foggia y cuenta con estudios en Composición, Música Electrónica, Piano y Jazz.
Su formación incluye la Accademia Nazionale di Santa Cecilia bajo la guía de Azio Corghi y Giorgio Nottoli, así como la Accademia Chigiana de Siena, donde estudió con Ennio Morricone y Franco Donatoni.
Sus composiciones han sido interpretadas en más de cien conciertos en todo el mundo, desde Italia hasta Corea del Sur, Brasil, Estados Unidos, Sudáfrica y más 🌍.
En palabras del propio artista, su práctica es “un viaje íntimo hacia las complejas conexiones entre el sonido, el espacio y la memoria.” A través del procesamiento de grabaciones de campo crea paisajes sonoros inmersivos que despiertan una sensación de presencia, resonancia y libertad, invitándonos a escuchar con el cuerpo, la mente y el espíritu.
Un honor contar con su participación en esta muestra, que explora la independencia como voz y resonancia.
In PEACE WIND, Italian composer Domenico De Simone gives voice to something both intimate and universal: the breath of the wind as a metaphor for peace, memory, and spiritual transcendence. The work begins not with words but with sensation—of the wind that once caressed his face in childhood, when his soul was still innocent. This primordial force, ever-moving and impossible to confine, becomes the central thread in a composition that speaks directly to the inner self, bypassing logic and entering the realm of intuitive resonance.
The piece is not merely an auditory experience but a poetic invocation. It blends field recordings, electronic textures, and subtle layers of sound to create a sonic landscape where borders dissolve. As De Simone himself writes, “Peace does not shout.” In this work, peace is a wind — soft, ephemeral, yet deeply transformative.
PEACE WIND invites the listener to remember that independence is not only a political state but a spiritual stance — a commitment to live in harmony, guided by the unseen and the unheard. It challenges us to imagine a world where the only war is the one waged for peace itself, and where the soul, unbound, is free to drift with the wind.
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En PEACE WIND, el compositor italiano Domenico De Simone da voz a algo a la vez íntimo y universal: el aliento del viento como metáfora de la paz, la memoria y la trascendencia espiritual. La obra no comienza con palabras, sino con una sensación —la del viento que un día acarició su rostro en la infancia, cuando su alma aún era inocente. Esa fuerza primordial, siempre en movimiento e imposible de contener, se convierte en el hilo conductor de una composición que habla directamente al ser interior, eludiendo la lógica para adentrarse en el territorio de la resonancia intuitiva.
La pieza no es solo una experiencia auditiva, sino una invocación poética. Mezcla grabaciones de campo, texturas electrónicas y sutiles capas de sonido para crear un paisaje sonoro donde las fronteras se disuelven. Como escribe el propio De Simone, “La paz no grita.” En esta obra, la paz es un viento —suave, efímero, pero profundamente transformador.
PEACE WIND invita al oyente a recordar que la independencia no es solo un estado político, sino una postura espiritual: un compromiso con vivir en armonía, guiados por lo invisible y lo inaudible. Nos desafía a imaginar un mundo donde la única guerra posible sea la que se libra por la paz misma, y donde el alma, libre de ataduras, pueda flotar con el viento.
“MANIDASO NOFABI_I – A Piece of Hope”
Eba Ussher.
Acrylic on soft canvas.
78 x 68 in.
2024.
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"MANIDASO NOFABI_I"
Acrílico sobre lienzo suave.
198 x 173 cm.
2024.
Eba Ussher is a Ghanaian traditional contemporary artist and textile designer whose practice is deeply rooted in cultural storytelling. After studying Visual Arts at Chemu Senior High School in Tema, she briefly pursued accounting — but her creative spirit called her back to the arts. She later honed her craft at a private art school, fully embracing her passion.
Eba’s work is characterized by her use of organic dyes and water-based acrylics on cotton fabric and canvas. Drawing inspiration from the rich symbolism of Adinkra symbols, she channels their visual power and ancestral resonance into each piece.
Her unique process involves carved wooden blocks and foam stamps, allowing her to imprint intricate designs, geometric lines, and ancient symbols onto her canvases — weaving together tradition, technique, and personal expression.
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Eba Ussher es una artista contemporánea tradicional y diseñadora textil originaria de Ghana, cuya práctica se basa en la narración cultural a través del arte. Estudió Artes Visuales en Chemu Senior High School en Tema y, aunque más adelante cursó contabilidad, pronto descubrió que su verdadera vocación estaba en el arte. Perfeccionó su técnica en una escuela de arte privada, donde abrazó por completo su pasión creativa.
Su obra se caracteriza por el uso de tintes orgánicos y acrílicos al agua sobre tela de algodón y lienzo. Inspirada profundamente por los símbolos Adinkra, Eba plasma en su trabajo la riqueza visual y la resonancia ancestral de estos emblemas tradicionales.
Su proceso creativo incorpora bloques de madera tallados y sellos de espuma, con los que imprime diseños intrincados, líneas geométricas y símbolos ancestrales, entrelazando tradición, técnica y expresión personal.
Es un honor contar con su participación en nuestra exposición, "Independencia: Voz y Resonancia".
In “MANIDASO NOFABI_I – A Piece of Hope”, Ghanaian artist and textile designer Eba Ussher weaves together symbol, story, and spirit through a vibrant interplay of Adinkra-inspired motifs and sacred geometry. Rendered in vivid pinks and accented by bold black lines, her composition pulses with a sense of rhythm and ancestral memory.
At the heart of the piece is a celebration of womanhood—of healing, strength, and community. The use of cowries sewn into the canvas speaks not only of African traditions of adornment and exchange but also of power, femininity, and transformation. This work becomes a visual mantra, repeating ancient forms that remind us of the continuity of culture and the resilience embedded in heritage.
For Ussher, art is a language rooted in material and symbol. Her paintings draw from the deep well of indigenous knowledge and transmit it into the present—bridging generations and geographies. “MANIDASO NOFABI_I” invites us to imagine independence not just as sovereignty, but as shared healing—a collective rising toward hope.
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En "MANIDASO NOFABI_I", la artista ghanesa y diseñadora textil Eba Ussher entrelaza símbolo, historia y espíritu a través de un juego vibrante de motivos inspirados en los símbolos Adinkra y la geometría sagrada. Ejecutada en tonos rosados intensos y contornos negros definidos, su composición late con ritmo y memoria ancestral.
La obra celebra el poder de lo femenino: la sanación, la fortaleza y la comunidad. Las conchas cosidas en la superficie evocan no solo tradiciones africanas de adorno e intercambio, sino también símbolos de transformación, feminidad y poder espiritual. Esta pieza se convierte en un mantra visual, una repetición de formas antiguas que nos recuerdan la continuidad cultural y la resiliencia tejida en las raíces.
Para Ussher, el arte es un lenguaje encarnado en el símbolo y en la materia. Sus obras toman saberes indígenas y los proyectan hacia el presente, conectando generaciones y territorios. "MANIDASO NOFABI_I" nos invita a imaginar la independencia no solo como soberanía, sino como sanación compartida: un ascenso colectivo hacia la esperanza.
Puedes encontrar "MANIDASO NOFABI_I", de Eba Ussher, como parte de nuestra exposición colectiva online: "Independencia: Voz y Resonancia"
"Blastocyst".
Robin Radek.
Acrylic on canvas.
29 x 29 in.
2024.
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"Blastocyst"
Robin Radek.
Acrílico sobre lienzo.
29 x 29 in.
2024.
Robin Radek is a multidisciplinary artist whose work threads personal memory, social critique, and subconscious iconography through the lens of Pop Surrealism.
Born in Montreal and shaped by the artistic movements of London, Robin’s visual language is a deeply introspective response to an ever-changing world. Influenced by Op Art, Pop Art, and the Punk era, her paintings capture the fragmented inner landscapes and cultural dissonance of displacement. Her work doesn’t shy away from the uncomfortable — instead, it embraces the raw beauty of human contradiction.
In addition to painting, Robin is a poet and blogger who uses words and images to traverse timelines, dreamscapes, and shadowy corners of the psyche. Her presence in this exhibition is a testament to the freedom of expression and the courage to transform personal and political unrest into powerful visual storytelling.
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Robin Radek es una artista multidisciplinaria cuya obra entrelaza la memoria personal, la crítica social y la iconografía subconsciente desde el lenguaje del Pop Surrealista.
Nacida en Montreal y moldeada por los movimientos artísticos de Londres, el lenguaje visual de Robin es una respuesta introspectiva a un mundo en constante cambio. Influenciada por el Op Art, el Pop Art y la era Punk, sus pinturas capturan paisajes internos fragmentados y la disonancia cultural del desarraigo. Su obra no evita lo incómodo — lo abraza con honestidad, revelando la belleza cruda de la contradicción humana.
Además de pintora, Robin es poeta y bloguera, utilizando la palabra y la imagen para viajar entre líneas temporales, paisajes oníricos y los rincones más profundos de la psique. Su participación en esta exposición es un testimonio del poder expresivo de la libertad y del coraje de transformar lo personal y lo político en arte visual poderoso.
In “Blastocyst”, Robin Radek conjures a surreal, liminal space: a vibrant, womb-like cosmos where hybrid beings drift among florals, clouds, and cartoon relics of pop culture. At once dreamlike and dystopian, the piece stages a suspended moment before becoming—a blastocyst suspended in the amniotic waters of possibility. It is a painting about origin, but also about the conditions in which independence is gestated: fragility, disorientation, longing.
The artist describes this phase as “an independent state, before its birth... still in utero... potential.” Radek’s signature pop surrealist language—shaped by years of responding to a fractured, globalized cultural backdrop—filters through her biomorphic figures and mythological hybrids, revealing a personal mythology. The use of childlike symbols alongside adult embodiment creates tension: innocence versus knowledge, fantasy versus trauma, conception versus consciousness.
Radek’s work becomes a visual poem for a world on the cusp of rebirth. It speaks to those who carry memory, rupture, and radical imagination within their cells. In a time when many are redefining autonomy and identity, “Blastocyst” offers a deeply intimate vision of independence—not as a fixed state, but as gestation, resistance, and reinvention.
En “Blastocyst”, Robin Radek crea un cosmos surrealista y uterino, un espacio suspendido donde seres híbridos flotan entre nubes, flores y símbolos nostálgicos de la cultura pop. La obra evoca una etapa anterior al nacimiento: una célula en expansión, una identidad aún por definirse. Se trata de una pintura sobre el origen, pero también sobre las condiciones en las que se gesta la independencia: fragilidad, extrañeza, deseo.
La artista describe esta fase como “un estado independiente, antes de nacer… aún en el útero… potencial.” Radek emplea un lenguaje pop surrealista —forjado a lo largo de años enfrentando un panorama cultural fragmentado y distópico— que se manifiesta en figuras biomórficas y mitologías personales. La presencia de símbolos infantiles junto con cuerpos maduros genera una tensión profunda: inocencia versus conocimiento, fantasía versus trauma, concepción versus conciencia.
“Blastocyst” es una especie de poema visual sobre un mundo en proceso de renacimiento. Habla a quienes cargan memoria, ruptura e imaginación radical en sus células. En un momento en que tantas personas están redefiniendo la autonomía y la identidad, esta obra ofrece una visión íntima de la independencia —no como un estado fijo, sino como gestación, resistencia y reinvención.
“Brihannala”
Sudeshna Dey.
Performance / Video.
2 min 15 sec.
India.
Sudeshna Dey is a Kolkata-based dancer, choreographer, filmmaker, and storyteller whose work transcends disciplines and boundaries.
A recipient of the prestigious Uday Shankar Award, Sudeshna trained at The Place in London before choreographing Tasher Desh in Birmingham for Arts Bengal and performing internationally, including in Leap with Austria’s CieLaroque. Her dance film Brihannala—a moving exploration of gender and transformation—garnered over 9 lakh views online.
Beyond dance, she’s a writer, actor, and award-winning short filmmaker whose creations probe identity, gender, and cultural memory. Her pieces have been featured in festivals and digital platforms across India and abroad. In 2024, she was honored among 108 women celebrated in Asadharani – Amra Sobai Durga for her contribution to the arts.
Through movement, image, and voice, Sudeshna invites us to rediscover independence as inner freedom—a creative force that defies confinement and reclaims identity.
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Sudeshna Dey es una bailarina, coreógrafa, cineasta y narradora originaria de Calcuta, cuya obra trasciende disciplinas y fronteras.
Ganadora del prestigioso Premio Uday Shankar, Sudeshna se formó en The Place de Londres antes de coreografiar Tasher Desh en Birmingham para Arts Bengal y presentarse internacionalmente, incluyendo Leap con la compañía austriaca CieLaroque. Su pieza Brihannala—una conmovedora exploración sobre el género y la transformación—alcanzó más de 900 mil reproducciones en línea.
Además de su trabajo en la danza, es escritora, actriz y directora de cortometrajes premiados que exploran la identidad, el género y la memoria cultural. Sus obras han sido presentadas en festivales y plataformas digitales en India y en el extranjero. En 2024 fue reconocida entre 108 mujeres en Asadharani – Amra Sobai Durga por su destacada trayectoria artística.
In “Brihannala”, Kolkata-based dancer and choreographer Sudeshna Dey transforms movement into testimony — a silent but searing act of remembrance and resistance. The performance gives form to the anguish of a transgender woman who has been rejected by her own family, finding refuge within a community of shared exile yet yearning for the warmth of belonging once denied.
Through expressive motion, Dey embodies both the strength and fragility of existence at the margins. The choreography unfolds as a conversation between the body and absence: every gesture a plea, every stillness a wound. The protagonist’s invocation to her mother — a cry for acceptance — resonates beyond individual pain, becoming a collective appeal for dignity and inclusion.
The title “Brihannala” evokes the mythic figure from the Mahabharata, where Arjuna lives for a time as a woman. By reclaiming this ancient name, Dey repositions mythology within the contemporary struggle for gender recognition, turning a sacred story into a modern mirror.
Within the framework of “Independence: Voice and Resonance”, “Brihannala” expands the meaning of freedom — from political autonomy to the right to exist fully, to love, to be seen. It is a dance of resilience and reclamation, where the body itself becomes the voice that society tried to silence.
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En “Brihannala”, la bailarina y coreógrafa de Calcuta Sudeshna Dey transforma el movimiento en testimonio: un acto silencioso pero ardiente de memoria y resistencia. La performance da forma a la angustia de una mujer transgénero que ha sido rechazada por su propia familia, encontrando refugio dentro de una comunidad de exilio compartido, aunque anhelando aún el calor del hogar que le fue negado.
A través de un movimiento expresivo, Dey encarna tanto la fuerza como la fragilidad de la existencia en los márgenes. La coreografía se despliega como un diálogo entre el cuerpo y la ausencia: cada gesto es una súplica, cada quietud una herida. La invocación de la protagonista hacia su madre —un grito por aceptación— trasciende el dolor individual para convertirse en un llamado colectivo a la dignidad y la inclusión.
El título “Brihannala” evoca a la figura mítica del Mahabharata, donde Arjuna vive por un tiempo como mujer. Al reivindicar este nombre ancestral, Dey reubica la mitología dentro de la lucha contemporánea por el reconocimiento de género, convirtiendo un relato sagrado en un espejo moderno.
Dentro del marco de “Independence: Voice and Resonance”, “Brihannala” amplía el significado de la libertad —de la autonomía política al derecho a existir plenamente, a amar, a ser vista. Es una danza de resiliencia y reivindicación, donde el cuerpo mismo se convierte en la voz que la sociedad intentó silenciar.